martes, 27 de marzo de 2018

KRIST NOVOSELIC QUIERE FORMAR UN CURIOSO SUPERGRUPO

El bajista de Nirvana, Krist Novoselic, ha dicho que le gustaría montar un supergrupo nada menos que con Chuck D de Public Enemy y John Densmore, batería de The Doors.
Novoselic lo ha comentado en The Young Turks, el canal americano de noticias de Youtube:
“John es genial, lo sé John. Él es uno de mis héroes. Chuck D es genial, Public Enemy. Deberíamos montar una banda, porque yo tocaría el bajo, tendríamos a John en la batería y Chuck rapearía”.
“Lo digo en serio”.
Curioso y atípico supergrupo, aunque en la última edición del “Founders Award” del Museo de la Cultura Pop de Estados Unidos, Novoselic actuó con Densmore y con Robbie Krieger, guitarrista original de The Doors, con motivo del 50 aniversario de su álbum debut homónimo, publicado en 1967.
El evento se celebró el pasado 7 de diciembre, y Densmore, al acordeón, Novoselic y Krieger, hicieron una versión del celebérrimo “Light My Fire“.


lunes, 26 de marzo de 2018

EN FIN ALGO ES ALGO.

TONI BRAXTON - Sorry
JACK WHITE - Corporation
LO RECIEN EDITADOS EN 2 HERMOSOS TEMAS.
WWW.SOUNDBOXONLINE.COM

DEFINITIVAMENTE FUERA DE SERIE.


domingo, 25 de marzo de 2018

UN FRANCES VENDIO TODA SU COLECCION DE QUINCE MIL DISCOS DE LOS BEATLES

Un especialista francés de los Beatles vendió 15.000 artículos de memorabilia del grupo – toda una vida dedicada a ellos- para asegurarse una buena jubilación. Jacques Volcouve su colección era de 15.000 discos, carteles, autógrafos, libros firmados, estatuillas y todo tipo de recuerdos relacionados con el cuarteto de Liverpool. Volcouve le ha dicho a The Observer: “El insecto de la beatlemania me mordió y nunca me curé de él. Escuché el disco y pensé que la música era increíble. Desde entonces, quise todo lo que tenía que ver con los Beatles: discos, recortes de periódicos, carteles, memorabilia… todo”. No se trata de una colección cualquiera, The Guardian destaca a Volcouve como primer historiador de los Beatles en Francia, Volcouve se hizo notar desde principios de los años 70, cuando llamó a una emisora de radio francesa para señalar varios errores cometidos por la BBC en una serie sobre los Beatles que estaban emitiendo y fue invitado al estudio de radio. Posteriormente colaboró en varios libros sobre el cuarteto. “Lo que yo quería… era compartir mi placer y pasión por los Beatles y de alguna manera asegurarne de que todo lo que decían sobre ellos fuera correcto. Cogí algunas de las grabaciones que tenía y la emirora de radio tenía sus archivos, y añadimos material a la serie “The Beatles Story” de la BBC, de tal modo que las 12 horas que se emitieron en el Reino Unido se convirtieron en 18 horas de material en Francia. Fue tan exitoso que fue emitida dos veces ese mismo año”. A partir de ese momento Volcouve conoció a todos los especialistas de los Beatles. Incluso ha conocido a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr en persona y también a Yoko Ono.

sábado, 24 de marzo de 2018

RETROPECTIVA - HALL & OATES

¿Se puede nacer con la piel blanca y amar con locura la música negra? Ciertamente, sí. Muchos músicos blancos se han integrado en el inmenso filón de la música negra norteamericana. Daryl Hall y John Oates, se han esforzado para que su pasión por la música negra cristalizase en una contribución creativa a la black music. Desde que comenzaron, buscaron el reconocimiento de su originalidad, clase y elegancia. Hoy son un dúo de indiscutible éxito. Durante los años ochenta, Daryl Hall ha sido el mejor compositor de temas para otros. Siete artistas han llegado a entrar en el TopTen con composiciones suyas (por ejemplo, la bellísima ‘Everytime you go away’, interpretada por Paul Young); también en la misma década, Hall & Oates, con 40 singles colocados en el Top Ten, totalizaron el número más alto de presencias en las listas. 
Daryl Hall y John Oates se conocieron cuando eran jovencísimos, en Filadelfia, a finales de los sesenta. Ambos habían nacido en 1949 y están fascinados por los discos black de Atlantic y Motown. Hall grabo un primer disco con Kenny Gamble & The Romeos, y acto seguido conoció a Oates, que por aquel entonces era miembro de The Masters. Después de componer (sin éxito) las canciones de un disco de los Gulliver, decidieron formar un dúo y se pusieron en contacto con el gran productor Arif Mardin, quien les ofreció un contrato con Atlantic. Los comienzos no fueron fáciles, y su primer disco, ‘Whole oates’ (1972), no recibió una gran acogida. Oates recuerda: "Creíamos haber dado lo mejor de nosotros, pero no dio resultado. Al principio fue un golpe terrible, queríamos dejarlo todo, cambiar de oficio. Después, por fortuna, aquello se nos pasó: habíamos comprendido que debíamos buscar un sonido más original. No debíamos guiarnos por las pautas del mercado, sino por nuestras pasiones. Y nuestra pasión era el soul". 
Así, en su siguiente álbum, ‘Abandoned luncheonette’ (1973), el dúo cambió su rumbo, dando un toque más negro a sus canciones. Este disco tampoco cosechó un gran éxito. Pero The Tavares versionearon una canción del disco, ‘She's gone’, y la colocaron en las listas, lo cual dio ánimos a Hall and Oates. En 1974, publicaron ‘War babies’, producido por Todd Rundgren. Después, Daryl y John cambiaron de compañía discográfica, pasándose a RCA. Y finalmente, llegó el éxito. El álbum ‘Daryl Hall & John Oates’ (1975) es la primera obra maestra del dúo, que ya había encontrado un estilo propio.
Este álbum de Daryl y John es puro "blue eyed soul" ("soul de ojos azules", es decir, hecho por músicos blancos), compuesto por canciones muy agradables, música ideal para las emisoras de FM americanas. Le siguieron una serie de discos afortunados: ‘Bigger than both of us’ (1976), ‘Beauty on a back street’ (1977), el álbum en directo ‘Livetime’ (1978), ‘Along the red ledge’ (1976) y ‘X-static’ (1979), que conquistaron, todos ellos, discos de oro y platino. Al mismo tiempo, Hall se tomó unas vacaciones creativas para grabar, en 1977, el álbum ‘Sacred songs’, con Robert Fripp. ‘Voices’ (1980) es uno de los álbumes más afortunados del dúo, gracias a la presencia de canciones tan arrebatadoras como ‘You make my dreams come true’, ‘How does it feel to be back’, ‘You've lost that lovin feeling’ y ‘Kiss on my list’ (que llegó al primer puesto en las listas).
En 1982 Daryl y John confirmaron su alto nivel con el álbum ‘SH20’, que contiene ‘Maneater’, una de las canciones más hermosas de su repertorio. Pero, quizás el disco más original de la década es ‘Live at the Apollo’, grabado en directo en el célebre local de Harlem (Nueva York) con la colaboración de David Ruffin y Eddie Kendricks (dos miembros de The Temptations). El álbum contiene bellísimas versiones de temas de los años sesenta: ‘My girl’, ‘When something is wrong with my baby’, ‘Get ready’. En este disco resplandece intensamente el alma negra de estos dos grandes artistas blancos.
Una nueva pausa permitió a Daryl Hall publicar en 1986 un disco en solitario, ‘Three hearts in the happy ending machine’ (coproducido por Dave Stewart, de Eurythmics). Por último, en 1988, publicó ‘Ooh yeah’ (1989), de nuevo junto a su amigo John Oates.

HOY...

CARL J DJ EN EL SET NUMERO 12 DEL AÑO DESDE N.Y PARA EL MUNDO A TRAVÉS DE SOUNDBOXRADIO. WWW.SOUNDBOXONLINE.COM NO ENGAÑAMOS OÍDOS, LO EDUCAMOS.

miércoles, 21 de marzo de 2018

ARETHA FRANKLIN CANCELA DOS ACTUACIONES POR PROBLEMAS DE SALUD

Continúan los problemas de salud para Aretha Franklin, que se ha visto obligada a cancelar dos próximos conciertos porque su médico le ha recomendado un descanso en su actual gira.
Franklin tenía programado actuar el 28 de abril en el New Orleans Jazz & Heritage Fest, los organizadores del evento han anunciado que será Rod Stewart quien reemplace a Franklin la noche del sábado.
Antes, el 25 de marzo, la reina del soul tenía que actuar en el New Performing Arts Center de Newark, un show muy especial programado para celebrar el septuagésimo sexto cumpleaños de Franklin, pero finalmente también ha sido cancelado.
“Su médico le ordenó a Aretha Franklin que detenga la gira y que descanse por completo durante al menos los próximos dos meses”, ha señalado el management de Franklin en un comunicado.

HOY...

HOY 16 HS CONCIERTO EN SOUNDBOXRADIO... ARMEN UN PORRO Q SE VIENE EL GRAN BOB MARLEY. WWW.SOUNDBOXONLINE.COM DONDE NO VENDEMOS HUMO... AMOR Y PAZ.

martes, 20 de marzo de 2018

LO NUEVO...

STONE TEMPLE PILOTS - The art of letting go
THE FRATELLIS - Indestructible
NUEVOS DISCOS EN ESTE 2018.
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DONDE NO SOLO LOS HITS SON BUENAS CANCIONES.



lunes, 19 de marzo de 2018

SE INAUGURARÁ LA ESTATUA DE DAVID BOWIE EN ¿AYLESBOWIE?

Se anuncia la inauguración de una estatua de David Bowie en Market Square de Aylesbury, Buckinghamshire
¿Por qué en este sitio? porque se cree que allí fue donde Bowie estrenó el personaje de Ziggy Stardust en directo, y estrenó al menos dos álbumes en la sala de conciertos Friars de la ciudad a principios de los años setenta.
La estatua no está conformada de un Bowie sino de varios. Uno vestido como Ziggy Stardust en color, rodeado de otras encarnaciones de Bowie en bronce en clara referencia a los “changes”, los cambios con los que Bowie distinguió constantemente su carrera.
El monumento es obra del escultor Andrew Sinclair que la ha moldeado en su estudio de Devon. 
Pero lo más curioso es que, además de la estatua, también hay una petición para cambiar el nombre de la ciudad de Aylesbury a ‘Aylesbowie'.

domingo, 18 de marzo de 2018

RETROSPECTIVA... ALAN PARSONS PROJECT

Como indica su nombre, Alan Parsons Project no era una banda tanto como un concepto supervisado por el titular Parsons, un exitoso productor e ingeniero de sonido. Nacido en Gran Bretaña el 20 de diciembre de 1949, comenzó su carrera musical como ingeniero de EMI Studios, y obtuvo su primer reconocimiento importante en la industria discográfica con su trabajo en 1969 en la obra maestra de los Beatles, ‘Abbey Road’. Parsons posteriormente trabajó con Paul McCartney en varios de los albumes de Wings; también supervisó grabaciones de Al Stewart, Cockney Rebel, y Pilot, pero su consagración definitiva llego con el álbum de Pink Floyd, ‘The Dark Side Of The Moon’. Influenciado por su trabajo en el álbum conceptual ‘Time Passages’ de Al Stewart, Parsons decidió comenzar a crear sus propios registros; junto con el compositor-instrumentista Eric Woolfson, pronto fundó Alan Parsons Project. 
Parsons le dio nombre al proyecto aunque apenas si tocaba alguna vez los teclados y raramente cantaba, dedicándose a la parte de la producción, mientras Wolfson se encargaba de la composición. El proyecto fue concebido fundamentalmente como un foro por el que pasasen de forma rotatoria un sinfín de vocalistas y un montón de buenos instrumentistas de estudio. Entre ellos destacaban Arthur Brown, Colin Blunstone, Cockney Rebel, Steve Harley, Allan Clarke, y el guitarrista Ian Bairnson, interpretando las frondosas composiciones conceptuales de Parsons y Woolfson. El proyecto debutó en 1975 con ‘Tales Of Mistery And Imagination’, una colección inspirada en la obra de Edgar Allan Poe; asimismo, la ciencia ficción de Isaac Asimov sirve como materia prima para el siguiente, ‘I Robot’ de 1977. En 1980 en ‘The Turn of a Friendly Card’, una meditación sobre los juegos de azar, Alan Parsons Project anotó un hit Top 20, "Games People Play"; en 1982 ‘Eye in the Sky’ fue el proyecto más exitoso. 
Mientras, ‘Ammonía Avenue’ de 1984 fue oro, los proyectos posteriores contaron con un éxito pobre, aunque en 1985 con ‘Vulture Culture’ y en 1987 con ‘Gaudi’, volvió a contar con el apoyo de los fans más fervientes. ‘Time Machine’ los siguió en 1999. Después de una pausa de cinco años, Parsons regresó en 2004 con ‘A Valid Path’.

sábado, 17 de marzo de 2018

E-SESSIONS.

SABADO 23 HS E-SESIONS DIRECTO DESDE NEW YORK PRESENTADO POR CARL J DJ.
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SIMPLEMENTE DISTINTA.


miércoles, 14 de marzo de 2018

TONY BANKS:” NO ME GUSTO NADA LO QUE MIKE RUTHERFORD ESCRIBIO DE MI”

Con su último disco en solitario llamado ” Five”  , Tony Banks, el teclista de Genesis,  ha vuelto a uno de sus primeros amores: el álbum orquestal.
Mientras que otros colegas de Genesis, Steve Hackett, Mike Rutherford e incluso Phil Collins han vuelto a ser  protagonistas, a Banks, por su propia admisión, le gusta “relajarse y saber que todos están mirando a otra persona en el escenario”.
Y señala:
“Yo nunca quiero ser el foco de atención como Phil o Mike”.
Y recuerda:
“Vi a Phil en el Albert Hall. Estuvo bien. Creo que mejoraba  a medida que avanzaba el concierto . La banda fue fantástica, pero él está muy estático en estos días y no puede hacer lo que solía hacer; ya no puede tocar y bailar  la pandereta, y eso me gustaba.  Mike hizo un gran show también, y estoy especialmente encariñado con Andrew Roachford. Él es un muy buen cantante. Realmente los disfruté “
Y Tony atacó a las biografías de sus ex-compañeros:
“No he leído la de Phil, pero creo que no me emocionaría. Leí el libro de Mike y no me gustó mucho, así que decidí no leer el libro de Phil. Creo que Steve Hackett está haciendo otro libro y tampoco lo leeré  Sentí que el libro de Mike era un poco despectivo conmigo, en realidad, y se lo dije y él solo dijo que  un poco. Aún seguimos siendo amigos , a pesar de todo”.

HOY...

16HS HOY CONCIERTO... POESÍA, SEXO Y DROGAS DE LA MANO THE DOORS.
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UN GRANO DE ARENA EN LOS TIEMPOS Q CORREN.


martes, 13 de marzo de 2018

ESTAS SON ALGUNAS DE LAS PORTADAS DE DISCOS MÁS CUTRES DE LA HISTORIA

El mal gusto en su enésima potencia... portadas de discos raros, absurdas, estridentes, desconcertantes, ridículas.., y nos hemos visto con la obligación de compartirlo con uds, por solidaridad del buen gusto... si así son las tapas, como sera su música.

















lunes, 12 de marzo de 2018

BÚSCANOS...

http://soundboxradio.wixsite.com/soundboxradio
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+ SITIOS PARA ENCONTRARTE CON LA BUENA MÚSICA.



EMINEM CONDENA A LA ASOCIACION DEL RIFLE POR PROVOCAR TODA LA SANGRIA

Eminem no se calla nunca. Ni debajo del agua y ataca por diestro y por siniestro. Mientras que muchos  usaron la ntrega dde premios absurda de iHeart para pontificar sobre  sus discos, Eminem  tomó su venganza  en la ceremonia anual de premios celebrada en Inglewood, California  para resaltar  y condenar el problema del control de armas . Naturalmente,  culpó a la Asociación Nacional de Rifles por ser “responsable de toda esta sangria sanguinaria”.
Los comentarios del rapero se producen después de que la Asociación Nacional del Rifle (NRA) comenzara a demandar al estado de Florida por aprobar una ley de control de armas luego de un tiroteo en una escuela que dejó 17 personas muertas.
Mientras Eminem interpretaba  su canción “Nowhere Fast” , con Kehlani, Marshall abrió con un verso extra especial y el objetivo fue bastante claro.
“Todo este país se está volviendo loco / Y la NRA está en nuestro camino / Ellos son los responsables de toda esta destrucción / Mantienen las cuerdas, controlan la marioneta”.
Alguien de la Asociación del rifle le “amenazó de muerte” poco después. 




RECIEN EDITADOS...

SWING OUT SISTER - Which Wrong Is Right TRACEY THORN - Babies BELLOS LP PARA ENDULZAR LOS OÍDOS. www.soundboxonline.com SIMPLEMENTE UN CAJA DE SONIDOS.

sábado, 10 de marzo de 2018

RETROSPECTIVA AL JARREAU.

Alwyn Lopez Jarreau (nacido el 21 de marzo de 1940 en Milwaukee, Wisconsin), conocido popularmente como Al Jarreau, es un cantante americano de jazz. Su estilo de canto es muy versátil, hasta el punto que es el único vocalista de la historia que ha ganado un Grammy en tres categorías distintas: jazz, pop y R&B. Ha sido nominado seis veces. Hijo de un sacerdote, obtuvo su primera experiencia como artista al cantar en el coro de la iglesia. Después de obtener su maestría en psicología, Jarreau trabajó como asistente social, pero al final decidió mudarse a Los Ángeles y probar suerte en el show business tocando en pequeños clubes en la Costa Oeste. A mediados de los años sesenta grabó un LP titulado «1965» pero siguió siendo un desconocido, y no volvió a ingresar al estudio en diez años. En 1975 firma con el sello Reprise, propiedad de Frank Sinatra y su carrera musical da un salto de calidad y popularidad vertiginoso. Su primer LP para Reprise se titula: «We Got By» , obteniendo elogios por su sofisticada voz al ser comparado con Billy Eckstine y Johnny Mathis. Después de grabar «Glow» en 1976, Jarreau lanzó «Look to the Rainbow», un disco doble en vivo que llegó al Top 50 en los rankings de álbumes de EE.UU. Con «Breakin’ Away», grabado en 1981 ingresó al Top 10, que incluía los éxitos : «We’re in This Love Together» y «Breakin’ Away». Después de grabar: «Lis for Lover», en 1986 con el productor Nile Rodgers, Jarreau tuvo un éxito con el tema del programa televisivo Luz de Luna, pero su éxito como cantante pop estaba declinando y sus siguientes obras, como «Heaven and Earth» de 1992 y «Tenderness» grabado dos años después en 1994 tuvieron más éxito con el público adulto que con la juventud. Siempre al margen de las criticas que le llovían por su exceso de comercialidad en su música, denostado por los amantes del jazz que veían en él a un impostor que adulteraba la esencia del jazz, Jarreau ha pasado a la historia de la música por ser el primer cantante que ha logrado ganar cinco premios Grammys, tres de ellos en tres estilos distintos: Jazz, Pop y Rhythm & Blues respectivamente. Su música perdura en el tiempo... en paz descanse.

HOY

HOY SÁBADO EN SOUNDBOXRADIO.
10HS FLAMINGOSOUND
20HS H CLASS MUSIC
23HS E-SESSIONS
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3 PROPUESTAS PARA ALIMENTAR TUS OÍDOS.


martes, 6 de marzo de 2018

LO NUEVO

ELLEN DOTY - You're Too Late
MOBY - The Waste Of Suns
2 TEMAS PARA LO NUEVO DE ESTA SEMANA.
WWW.SOUNDBOXONLINE.COM



lunes, 5 de marzo de 2018

MICK JAGGER INSINUA EL FIN DE LOS ROLLING STONES...

PARA EMPEZAR, MICK JAGGER ES TAN DISPERSO Y CIENTÍFICO QUE LO DEJA CAER, EN UNA ENTREVISTA CON EL SUNDAY POST.
“Realmente no he pensado que esta serie de conciertos sea nuestra última gira, para ser honestos.Habrá un momento en que no querremos hacerlo más, por la razón que sea, pero no pienso en eso este verano”.
En las últimas semanas, Elton John, Paul Simon y Neil Diamond sorprendieron a sus fans al anunciar que dejarían de tocar en vivo después de más de 50 años .
No parece que esta sea la última gira de los Stones, aunque  Mick  Jagger y Keith  Richards tienen  74 años , Ronnie Wood, 70 y Charlie Watts, 76.  Juntos tienen una edad combinada de 294.
Mick Jagger cuenta su estado físico, después de cada concierto.
“Tan pronto como salimos del escenario, me monto  en un automóvil que generalmente regresa al hotel. Estoy bastante cansad0. Pero después de una hora, me siento bien.Pero a veces puedes cometer el error de salir juega, lo cual no siempre es una buena idea porque tienes que conservar un poco de energía.Desgraciadamente, en la última gira, cometí uno o dos errores como ese. Eso no está bien, pero normalmente no me siento tan mal”.
No me creo que esta sea el final de los Stones, a menos que uno de ellos pueda morirse. Así de claro.


sábado, 3 de marzo de 2018

RETROSPECTIVA... KRAFTWERK.

De todos los músicos que, a principios de los setenta, hicieron un gran uso de sintetizadores, los alemanes Kraftwerk siguen siendo sin duda los más innovadores. A diferencia de otros músicos del rock progresivo (Rick Wakeman y Emerson, Lake & Palmer) que usaban los instrumentos eléctricos para recrear el sonido de las orquestas clásicas del ochocientos, y de los grupos como Pink Floyd y The Who, que por el contrario se servían de ellos para enriquecer los sonidos del rock tradicional, Kraftwerk se propusieron desde un primer momento crear un sonido completamente electrónico. Los primeros proyectos cibernéticos fueron dirigidos por Ralf Hutter y Florian Schneider Esleben, dos jóvenes que habían estudiado música clásica. Con la ayuda de tres percusionistas formaron Organisation, quinteto notoriamente fascinado por la experimentación de grupos como Tangerine Dream y Pink Floyd. Su base operativa era una vieja refinería de Dusseldorf, en la cual más tarde Connie Plank instaló su estudio de grabación. La música de Organisation, con su tono glacial, reflejaba la atmósfera lóbrega y gris de Dusseldorf y del lugar en el que acostumbraban a tocar. Estos experimentos dieron lugar a un álbum publicado por RCA en 1970, titulado 'Tone float'. Pero en seguida Ralf Hutter y Florian Schneider abandonaron a los percusionistas Basil Hammoudi, Butch Haufe y Fred Monicks para continuar en solitario, bajo el nombre de Kraftwerk. Los primeros meses fueron duros y difíciles. Los medios económicos de los dos ambiciosos chavales eran demasiado limitados para poder adquirir un equipo electrónico digno de sus aspiraciones. Ralf y Florian, entonces, improvisaron técnicas, construyendo por su cuenta todos los instrumentos que necesitaban. Tras largos meses de ensayos, pruebas y experimentaciones, el dúo Kraftwerk hizo su debut con el álbum 'Kraftwerk 1' (1971). El disco, grabado en el Connie Plank's Studio de Dusseldorf fue publicado por Philips, e incluía una serie de composiciones muy originales, con las cuales el grupo alemán realizó las experimentaciones más arriesgadas, concentrando su trabajo en la fusión de sonidos eléctricos y acústicos, en la simulación de rumores ambientales y en la creación de extrañas bases percusivas. En la realización del disco participaron también Andreas Hohmann, Klaus Dinger y Michael Rother. Los dos últimos, tras su aparición en 'Kraftwerk 1', formaron Neu, otra histórica formación de la música electrónica alemana. Exactamente un año más tarde, en 1972, Kraftwerk publicaron su segundo álbum, lapidariamente titulado 'Kraftwerk II'. En el disco, concebido y realizado como la natural continuación del anterior trabajo, es posible vislumbrar (especialmente en la melódica 'Klingklang') la primera indicación clara del camino que seguirá el grupo en los siguientes años. Mientras tanto, en 1973, Virgin publicó 'Kraftwerk', doble álbum en el que se reúnen en un único trabajo el primer y segundo discos del grupo alemán. Un año más tarde, mientras los berlineses Tangerine Dream y Popol Vuh seguían aumentando su popularidad gracias a obras de pomposo corte clásico, Kraftwerk volvían al ataque con un álbum que otra vez proponía un estilo electrónico seco y esencial. El título del álbum es 'Ralf and Florian' (1973). Las composiciones se hacen más breves y homogéneas y los ritmos más elásticos, frescos y, sólo en algunas ocasiones, nerviosos. La mordaz 'Kristallo' (único tema largo del disco), la exótica 'Ananas simphonie', en la que se puede escuchar una voz tratada con el sintetizador, y la tranquila y aérea 'Heimatklange' son particularmente atractivas. Kraftwerk obtuvieron su primer gran éxito en la primavera de 1974, con 'Autobahn', single extraído del álbum del mismo título. Producido por Hutter y Schneider y grabado de nuevo en el Connie Plank's Studio, 'Autobahn' señaló el ingreso de Wolfgang Flur (percusión) y de Klaus Roeder (violín y guitarra) en la formación. El disco, cuya simple pero eficaz portada está firmada por el diseñador Emil Schult, triunfó en toda Europa y, saltando al otro lado del Océano, se convirtió en uno de los más radiados por las emisoras americanas. 'Autobahn' logró atrapar tanto la atención del gran público como la de los fieles admiradores del rock progresivo, constituyendo el mayor éxito de ventas mundial del grupo de Dusseldorf. El secreto de esta "explosión", como afirmó el periodista Steve Taylor en las páginas de The Face en 1982, estaba en la nueva y genial idea de crear un sonido descaradamente sintético en las percusiones, tan cálido y dinámico como para volverse irresistiblemente bailable. 'Autobahn' también fue importante porque, mientras en Alemania todos cantaban en inglés, Kraftwerk proponía textos en alemán. Ralf describió la operación como un intento de recuperación de la cultura alemana, en un momento en el cual las ondas de radio estaban invadidas por la música angloamericana y las salas de cine proyectaban exclusivamente películas francesas e italianas. A 'Autobahn' le siguió 'Radioactivity' (1975), y Klaus Roeder deja su puesto al percusionista Karl Bartos. El disco es menos bailable que su afortunadísimo predecesor y es el primero de la discografía de Kraftwerk que se desarrolla como un "concept album". El tema conductor es el de las ondas de radio de todo tipo. También se habla de la energía nuclear, pero impresiona más el sonido que los textos. Los temas, casi todos caracterizados por una atmósfera gris e inquietante, diseñan un cuadro pesimista de la radiactividad. El director de cine Chris Petit, fascinado por las notas de 'Ohm sweet ohm' y de 'Radioactivity', utilizó los dos temas en su película de 1979 'Radio on'. La banda alemana decidió volver a proponer la idea del álbum concepto con 'Trans Europe Express' (1976), disco dedicado al tema del viaje. El single 'Show room dummies' obtuvo un sólido y duradero éxito y logró mantener la atención del público hasta 1978, año en el que Kraftwerk grabaron el álbum más destacadamente tecnológico de su carrera. El álbum, anticipado por algunos conciertos en París y Nueva York, durante los cuales los cuatro Kraftwerk habían utilizado maniquíes creados a su perfecta imagen y semejanza, se titula 'Man machine'. Después de 'Man manchine' y tras el éxito de los bailadísimos singles 'The robots' y 'The model', Kraftwerk se retiraron de los escenarios y se dedicaron durante tres años a la reconstrucción y computadorización del Kling Klang Studio. En 1981 apareció 'Computerworld' y los cuatro abanderados del electropop actuaron en los escenarios de medio mundo, acompañados por su sofisticadísimo estudio móvil. El single 'Computer love' alcanzó el primer puesto en las listas británicas y se transformó en su mayor éxito desde los tiempos de 'Autobahn', que, seis años antes, se había emplazado en el undécimo puesto. Por otra parte, el single 'Numbers' se convirtió en un éxito en las listas soul de la revista americana Bilboard. El tema central del nuevo disco, tal como sugiere su título, es el mundo de las computadoras. El principal, además de sutilmente subversivo, intento del grupo es subrayar la utilización siniestra que organizaciones de espionaje y de control, como la Interpol, la Deutsche Bank, el FBI y Scotland Yard, hacen de las computadoras. Kraftwerk contrapone a esta realidad la idea de un cerebro electrónico utilizado de manera creativa en un contexto en el cual la gente nunca se esperaría encontrarlo. Cantan sobre calculadoras de bolsillo que crean música, y hablan de esta nueva tecnología como de algo que no debe ser ni desacreditado ni rechazado y aún menos alabado. Tras haber lanzado estos agudos mensajes y después de haber hecho bailar, de nuevo, al público de todo el mundo (Extremo Oriente e India incluidos), los cuatro valientes músicos abandonaron los escenarios durante varios años. El silencio discógráfico se vio interrumpido en 1983 por el single 'Tour de France', que se convirtió en un éxito dance en la versión mezclada por el experto Francois Kevorkian. 'Tour de France' apareció también, en la banda sonora de la película 'Breakdance'. Tres años después, Kraftwerk grabaron 'Electric Cafe' (1986). El álbum, precedido por el single 'Musique non stop', fue mezclado en Nueva York por Francois Kevorkian. 'Electric Cafe' es la enésima prueba del ardor y de la originalidad de los cuatro alemanes del rostro de mármol.
Discografia:

1971- Kraftwerk 1 
1972- Kraftwerk 2  
1973- Ralf and Florian 
1974- Autobahn  
1975- Radio-Activity  
1977- Trans-Europe Express  
1978- The Man-Machine 
1981- Computer World  
1986- Electric Cafe  
2003- Tour de France 


HOY 23HS...

SÁBADO TODO EL SONIDO DANCE CON CARL J DJ DESDE NY.
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UNA ESPECIE FUERA DE SERI
E.